Waar de "Walgelijke kunstgeschiedenis" over spreekt
Elke kunst moet worden bekeken vanuit het oogpunt van het moment waarop het is gemaakt, op basis van de mentaliteit van een bepaald land en specifieke eigenschappen die inherent zijn aan de auteur van het werk. Dit veronderstelt de aanwezigheid van niet alleen een enorme hoeveelheid kennis, maar ook de wens om de psyche te begrijpen van een persoon die lange tijd op een specifiek punt op planeet Aarde heeft geleefd. En alleen dan kun je een objectief psychologisch portret van de maker krijgen en zijn werk begrijpen …
In 2019 publiceerde de uitgeverij Eksmo het boek Disgusting Art. Humor en gruwel van het schilderen van meesterwerken”. De auteur, een kunstcriticus van opleiding, met een uitstekende eruditie en een sprankelend gevoel voor humor, schrijft over werken van wereldkunst vanuit een ongebruikelijk standpunt voor liefhebbers van het schone.
De geschiedenis van dit boek begon in 2017 in de persoonlijke blog van de auteur, onder de titel "Walgelijke kunstkritiek", publiceerde ze een analyse van de inhoud van schilderijen uit het verleden, die lezers schokkende, waarvan er vele algemeen erkende meesterwerken van wereldbelang zijn. De auteur presenteert de plots van deze schilderijen in een moderne taal op de manier van levendige spreektaal, zonder de wetenschappelijke gelijkenis die onder intellectuelen wordt aangenomen en de versluiering van acute onderwerpen die niet worden geaccepteerd voor discussie in de culturele ruimte. Onder haar pen gooiden oude Griekse mythen en bijbelse verhalen culturele kleren uit en veranderden ze in verhalen over kannibalen, verkrachtingen, berovingen, moorden, misdaden en allerlei verminkingen die mensen, helden en goden, heiligen, koningen en martelaren elkaar aandoen.
De blog werd al snel populair. In 2019 publiceerde de uitgeverij Eksmo het boek Disgusting Art. Humor en gruwel van het schilderen van meesterwerken”in duizenden exemplaren. Het boek werd een bestseller. Zoals de auteur zelf schrijft, bevat het boek 'mijn kenmerkende stomme grappen over kunst en bloeddorstige plaatjes over verkrachting, kannibalisme, een kijkgaatje uithollen en andere geneugten'.
Ik ben herhaaldelijk het feit tegengekomen dat veel slimme, subtiele, intelligente mensen zich laten meeslepen door dit fenomeen en met brandende ogen verhalen absorberen van "walgelijke kunstgeschiedenis".
In dit artikel heb ik een poging gedaan om erachter te komen wat de essentie van dit fenomeen is, wie de consument is van dergelijke verhalen en of deze inhoud nuttig is voor de samenleving. Wat zit er achter de 'walgelijke kunstgeschiedenis' - het licht van kennis, zoals de auteur het stelt, of de devaluatie van door de mensheid erkende wereldkunstwerken? Of ligt de waarheid ergens op een ander vlak, niet gerelateerd aan kunst?
Laten we van ver vertrekken en de geschiedenis van de opkomst van de kunst in herinnering brengen, zoals die werd onthuld door Yuri Burlan tijdens de opleiding "Systeem-vectorpsychologie".
In het onbewuste van de mensheid heeft de natuur twee basiswensen: zelfbehoud en voortplanting. Hieruit komen twee fundamentele aspiraties voort: eten om te leven en zichzelf voortzetten bij kinderen. Daarom zijn seks en moord al duizenden jaren de belangrijkste motoren van iemands leven. En vandaag de dag houden mensen, die zich in een onderontwikkelde, archetypische toestand bevinden, het liefst over deze onderwerpen, roddelen erover op de banken en kijken naar de films: wie heeft wie vermoord of verminkt en wie is een intieme relatie aangegaan met wie.
Om de soort voor uitsterven te behoeden, hebben mensen taboes en wetten opgesteld die in onze evolutie zijn vastgelegd. Het tweede afschrikmiddel was de opkomst van cultuur. Als resultaat van een complex en lang proces van evolutie van onze psyche, hebben mensen geleerd te sympathiseren, zich in te leven in een andere persoon, is er liefde ontstaan. Later werd de vertaling van deze staat in vormen en kleuren een van de belangrijkste bestemmingen van de kunstenaar.
Cultuur en kunst werden instrumenten die de spanning in de samenleving in bedwang hielden, met hun hulp gaven mensen lucht aan hun emoties en onthielden zich van agressie naar elkaar. Hoe?
Kunstenaars weerspiegelden in hun werk te allen tijde de wereld om hen heen in vormen en kleuren, die door hen werden waargenomen door hun bijzonder gevoelige orgaanzicht, en een van de belangrijkste betekenissen van creativiteit was en blijft tot op de dag van vandaag de emotionele component.
Emoties voelen, zich in de plaats van een ander wanen, medelijden hebben met de beledigde, de dader bedreigen, althans in gedachten om de zwakken te beschermen - dit is een kenmerk en het vermogen van die mensen die drager zijn van de zo- genaamd visuele vector. In de menselijke gemeenschap zijn zulke mensen ongeveer 5%. Door hun eigendommen te realiseren, worden ze vaak artsen en kunstenaars. Een dokter is een persoon die een ander helpt, zijn ziel en psyche geneest, hem accepteert, empathisch en medelevend is. De kunstenaar is degene die de kijker motiveert om lief te hebben met zijn beeldende kunst - omdat hij zelf liefheeft.
Cultuur heeft zich ontwikkeld en blijft zich ontwikkelen parallel met de menselijke evolutie. Op het niveau van de levenloze natuur waren mensen in staat de schoonheid van vormen te waarderen, op het niveau van planten en dieren, leerden ze een emotionele band met de wereld van levende wezens tot stand te brengen en te compliceren, op menselijk niveau, humanistische ideeën van de hoogste waarde van het menselijk leven verscheen. Het vierde, spirituele niveau, is nog niet door de mensheid geopenbaard. Maar onder grote artiesten, echte genieën, wier psyche zowel geluids- als visuele vectoren omvat, kunnen we eeuwenlang pogingen zien om dit thema in creativiteit te vertalen.
De mate van ontwikkeling van de visuele vector verschilt per drager en bepaalt de interesse van de kunstenaar voor wat en hoe hij in zijn werk weergeeft. Maar eigenlijk is het altijd een grote belangstelling voor het afgebeelde. Als de kunstenaar scènes van angst en geweld op het doek belichaamt, als hij zelfbeschadiging in alle details schildert, zichzelf bang maakt en het publiek beangstigt, geeft dit aan dat zijn psyche zich in een onontwikkelde, frustrerende of stressvolle toestand bevindt. Zulke creativiteit is niet nuttig, bevordert de mensheid niet op het pad van evolutie. Het is een pop.
Het leidmotief van "walgelijke kunstgeschiedenis" is het gesprek over de enge thema's die ten grondslag liggen aan de plots van veel kunstwerken. De auteur van het boek schrijft in de inleiding: “In veel musea over de hele wereld kun je schilderijen vinden van beroemde kunstenaars uit de 15e - 19e eeuw, die verbazen met hun inhoud. Er gebeurt duidelijk iets slechts met hen - moorden of uiteenvallen, freaks worden afgebeeld of onfatsoenlijk, naar onze mening, acties. Om te begrijpen wat er precies op het canvas gebeurt, moet je serieus in geschiedenis of literatuur duiken, en lang vergeten mythische helden onthouden.
En het blijkt dat veel van deze gruwelijke personages - criminelen en slachtoffers - al eeuwenlang van foto naar foto zwerven, van de oudheid en de renaissance tot de romantiek en moderniteit. Eeuwenlang hebben kunstenaars belangstelling voor deze onderwerpen behouden, ondanks een groot aantal andere, veel "fatsoenlijkere" en mooie verhalen. Afhankelijk van het tijdperk veranderen de redenen voor deze interesse, maar hun belangrijkste bron blijft ongewijzigd - de behoefte om keer op keer te begrijpen wat het meest verschrikkelijke voor de ene persoon tot de andere kan creëren, de behoefte om de demonen van zijn eigen ziel te kennen.
Als we de onderwerpen samenvatten waarover de auteur schrijft, krijgen we allemaal dezelfde moord en seks. Het is deze achtergrond die de auteur van 'walgelijke kunstgeschiedenis' in zijn verhalen onthult.
Nu hij de onooglijke essentie van de schilderijen heeft bereikt, en in wezen - de fundamenten van het menselijk leven zoals het is in ons onderbewustzijn, maakt de auteur van 'walgelijke kunstgeschiedenis' er een einde aan en laat de lachende lezer een bittere gedachte achter:, zo blijkt, wat kunst is! Seks en moord, geweld, misdaden en ondeugden van menselijke aard, bedekt met heldere kleuren en mooie vormen. Met deze benadering blijkt het uitbeelden van de passies van de menselijke natuur het ultieme doel van kunst te zijn, en wordt de rol van de kunstenaar gezien als de methode van een nar die de toeschouwer vermaakt met anekdotes in kleuren.
Door de plot te strippen, het mechanisme van de acties van mensen bloot te leggen, devalueert de ‘walgelijke kunstgeschiedenis’ de kunst en presenteert het als een stripverhaal met vreselijke, domme of grappige verhalen, op deze manier gezien door de ogen van onze tijdgenoot.
Wie is de consument van deze inhoud? Wie houdt ervan om helden voor de gek te houden en de donkere kant van de menselijke natuur bloot te leggen? Eigenaars van dezelfde eigenschappen van de visuele vector. Velen van hen hebben een hogere opleiding genoten, zijn opgegroeid met de voorbeelden van klassieke literatuur en muziek, bezoeken musea en theaters. Zij, met een sluier van opleiding, zijn in staat het mooie en gracieuze te waarderen, maar ervaren niet genoeg plezier in het leven.
De auteur vermaakt de lezer met een eigenwijze stijl en een fascinerende plot, de auteur laat niet het belangrijkste zien: hoe deze gebeurtenissen worden geïnterpreteerd door de kunstenaar, hoe de afbeelding op het canvas het standpunt van de kunstenaar weerspiegelt en wat zijn eigen boodschap aan de kunstenaar is. kijker. En het is altijd hetzelfde in de erkende meesterwerken van de schilderkunst: acceptatie, empathie, veroordeling van geweld en sympathie voor de beledigden.
Houd er rekening mee dat de morele waarden van mensen niet constant zijn: op verschillende tijden, in verschillende landen, afhankelijk van de mentaliteit van de mensen en de mentaliteit van de kunstenaar, kunnen ze verschillen. En wat natuurlijk en geaccepteerd is in het ene tijdperk, kan in het andere als monsterlijk worden ervaren. Nu het liberale humanisme de waarde van elk menselijk leven tot het absolute heeft verheven, is elk geweld tegen een persoon onaanvaardbaar, laat staan moord en zelfbeschadiging. Maar het was niet altijd zo.
Laten we eens kijken naar twee voorbeelden uit de kunstgeschiedenis. Rembrandts schilderij "De verkrachting van Ganymedes" toont een complot uit de oude Griekse mythe, waarin de adelaar-Zeus een uit het dorp gestolen jongen onder de wolken wegvoert.
Laten we ons concentreren op wat Rembrandt precies portretteert. The Great Dutchman toont de kijker het leed en de angst van een klein kind dat wordt ontvoerd door een grote vogel. Volgens de esthetische canons van onze tijd is het gerimpelde, met tranen besmeurde gezicht van de dikke peuter niet het ideaal van kinderachtige schoonheid, de dikke benen en het brede gezicht van de baby zullen niet bij iedereen sympathie opwekken, maar ongetwijfeld het gevoel dat de kunstenaar, de vader zelf, heeft als kind geportretteerd. Een paar precieze details - en elke moeder en vader zal zich hun kind in een emotioneel vergelijkbare situatie herinneren - met een bos bessen in zijn hand, met zijn shirt omhoog, plasend in een doorzichtig straaltje van angst. Wat staat er precies op deze foto afgebeeld? Ongepaste geslachtsgemeenschap, zoals de auteur van de blog erover schrijft? Niet. Medeleven en empathie voor een kleine man die zich in een moeilijke situatie bevindt.
Een ander voorbeeld. In Rubens 'schilderij "De ontvoering van Orifia door Boreas" (1715) houdt een machtige man een gezwollen vrouw in zijn armen. In de woorden van de auteur van 'walgelijke kunstgeschiedenis', wordt hij gekarakteriseerd als 'een man die op dit doek de onwettige daad pleegt van het ontvoeren van een vrouw uit haar woonplaats om regelmatig seksuele handelingen te plegen met daaropvolgende detentie tegen haar wil op een andere plaats. " Benadrukt protocol devalueert de moderne taal de afgebeelde, en nu ziet de toeschouwer, in plaats van prachtig geschreven beelden van twee mooie mensen met sterke gevoelens, een banaal politieverhaal.
In vele millennia van de menselijke geschiedenis is de ontvoering van vrouwen van een naburige stam een garantie voor overleving geweest. Gemengde huwelijken gaven sterke en intelligente nakomelingen, beschermden de stam tegen degeneratie. Vanaf het moment dat het moederinstinct begon te worden uitgebuit, werd de vrouw behandeld als eigendom zonder recht op haar eigen leven. En in de tijd van Rubens was dat in wezen het geval. De plot van deze foto was begrijpelijk voor de mensen van de 17e eeuw, en hoewel niet vanuit de realiteit van hun leven, is het heel acceptabel als een beeld van het historische verleden. De maatstaf van de eenentwintigste eeuw, die ver is gevorderd in de erkenning van de rechten van een persoon, kan niet worden "beoordeeld" aan de hand van de schilderijen van kunstenaars die vele eeuwen geleden leefden.
Wat wordt er eigenlijk afgebeeld op het schilderij van P. Rubens? Dit is de ontvoering van een vrouw door een man omwille van het plezier, omwille van de meest acute en krachtige ervaring, van vitaal belang voor elke normale volwassene. In de armen van een gepassioneerde en sterke man, een onderdanige vrouw, al met een sensuele blos, klaar om de man te accepteren die haar koos en haar lot te accepteren. Er is geen lijden of weerstand in haar houding, dit is een voorgevoel van een gewoon en zo gewenst vrouwelijk geluk - bemind worden, echtgenote en moeder zijn. Dit is een plaatje over de vereniging van een man en een vrouw, over hun acceptatie door elkaar, wat liefde is.
Door de grondslagen van de menselijke natuur correct te onthullen, maakt "walgelijke kunstgeschiedenis" een einde aan het punt waarop je een komma moet plaatsen en verder moet gaan, het proces dat door de auteur is gestart beter begrijpt. De devaluatie van de kunst van het verleden door bijtende, soms op de rand van onbedrukbare, kortom, en de beoordeling van deze kunst vanuit het perspectief van een persoon uit de eenentwintigste eeuw is absurd en onnodig. Dit komt neer op hoe een volwassene een baby zou veroordelen voor het poepen in zijn broek en het slepen van een kat bij de staart.
Het verwijderen van de sluiers en het begrijpen van de essentie achter mythologische, religieuze en andere complotten in de geschiedenis van de mensheid is de eerste stap naar een echt begrip van kunst en haar rol in de geschiedenis.
Ik zou een ander algoritme willen voorstellen om de essentie van kunst te begrijpen:
1e fase: om de plot van een bepaald kunstwerk te begrijpen, de plot "strippen" tot zijn eenvoudige essentie.
2e fase: systeemvectoranalyse van de plot die ten grondslag ligt aan een bepaald kunstwerk.
3e fase: de studie van hoe de kunstenaar de plot afbeeldde met zijn gereedschappen van de schilder, welke betekenissen hij erin stopte, welke kenmerken van de wereldperceptie erin worden gelezen in verband met de mentaliteit van de mensen en de mentaliteit van de auteur van de foto.
Na alle nuances van het afgebeelde verhaal kristalhelder te hebben verduidelijkt, is het noodzakelijk om weer terug te keren naar de formele kant van het kunstwerk en door de ogen van een kunstcriticus met het talent van een schrijver in literaire taal van hoge kwaliteit te laten zien hoe de kunstenaar precies zijn moeilijke en nobele missie vervulde - hij wekte mededogen, liefde in mensen, overwon haat en vervreemding, terwijl hij vragen stelde over de structuur van het universum, zocht hij naar de zin van het leven.
Dan zullen veel vreselijke, grappige of belachelijke situaties die in de schilderkunst zijn vastgelegd, correct worden begrepen door de kijker van de eenentwintigste eeuw en zullen ze geen idiote gelach of bittere teleurstelling veroorzaken in de kunst en het werk van de kunstenaar.
Elke kunst moet worden bekeken vanuit het oogpunt van het moment waarop het is gemaakt, op basis van de mentaliteit van een bepaald land en specifieke eigenschappen die inherent zijn aan de auteur van het werk. Dit veronderstelt de aanwezigheid van niet alleen een enorme hoeveelheid kennis, maar ook de wens om de psyche te begrijpen van een persoon die lange tijd op een specifiek punt op planeet Aarde heeft geleefd. En alleen dan kan men een objectief psychologisch portret van de maker krijgen en zijn werk begrijpen.
Om erachter te komen wat er achter de plots van beroemde kunstwerken zit vanuit het oogpunt van systemische kennis, betekent dat we tot de essentie van menselijke relaties moeten komen en, door de verhalen die op de doeken zijn vastgelegd, letterlijk alles begrijpen wat de mensheid op het pad beweegt van zijn ontwikkeling. En kijk dan naar een specifiek meesterwerk door de ogen van zijn tijdgenoten, door de ogen van de meester die het heeft gemaakt, en begrijp wat de auteur precies portretteerde - Rubens, Michelangelo, Kandinsky, Picasso - welke boodschap hij overbracht aan mensen, en evalueer correct wat voor bijdrage de kunstenaar leverde aan de evolutie van de mensheid.
